La maldición del Hombre Lobo. Los orígenes indecentes se pagan...

Terence Fisher es uno de esos grandes directores que por extrañas circunstancias ha sido infravalorado en algunos círculos de la crítica, a pesar de su buena factura y rico bagaje en el séptimo arte. Su legado en el cine fantástico es incuestionable, y su participación en la Hammer se puede tachar de legendaria; prueba de ello es La maldición del Hombre Lobo, película que dirigió en 1961, contando con la participación estelar de un relativamente desafortunado Oliver Reed, sensacional actor que provocó su declive profesional por culpa del alcohol (por este motivo fue finalmente sustituido por Sean Connery para el papel de James Bond) y sus constantes polémicas callejeras. 

Fruto de la violación y los malos tratos a una mujer discapacitada, viene al mundo un niño marcado por el dolor y el sufrimiento. El amor de la familia que acoge al pequeño, mantiene a raya  la parte primaria y sobrenatural que éste lleva consigo. Con el paso de los años, el pequeño se transforma en un hombre apuesto, sediento de aventuras y con ganas de conocer el mundo (Oliver Reed), pero los ambientes negativos, las malas compañías, y el alcohol provocarán que la licantropía regrese a la vida de nuestro protagonista, de forma feroz e implacable. Los asesinatos se acumulan en la localidad española donde está enmarcada la historia, pero sólo aquellos que aman de verdad a la parte humana del monstruo, podrán hacer algo para frenar a tan insólito criminal. 

Pues sí, este particular Hombre Lobo podría haber sido 007

Es de suponer que para muchos la premisa del film (relacionada claramente con el origen de este monstruo) resulte demasiado anticuada y moralista. Aunque se hace extraño que la maldición del hombre lobo no sea provocada por un mordisco, un mal de ojo gitano, o un experimento fallido, hay que admitir que la historia es sumamente interesante y está perfectamente enhebrada. El tempo de la película es lento, pero de forma constante se suceden interesantes acontecimientos que han sido previamente sembrados. 

Los orígenes y el progenitor del Licántropo dan para tema de conversación...

Terence Fisher supo hacer una y otra vez a lo largo de su carrera, puestas en escena que servirían de referencia a las nuevas generaciones de cineastas y espectadores. Director arriesgado y pionero, en La maldición del Hombre Lobo ofreció un espectáculo audiovisual muy adelantado para su época, que ofrecía un giro espectacular a lo que películas de Licántropos se refiere. 

Fat Kid Rules The World. Sobrepeso y Punk

Mathew Lillard es un actor carismático que en líneas generales siempre se ha movido por el cine comercial (especialmente en los géneros de humor y terror: 13 Fantasmas, De perdidos al río, Scream...), pero que en 2012 decidió dar el salto a la dirección con un film de corte Indie. Considerada película de culto, Fat Kid Rules The World (basada en la novela homonimia de K. L. Going) es un trabajo sensible a la par que agresivo, que profundiza en el problema que supone ser un adolescente desdichado en pleno siglo XXI. 

Troy en un chaval que ejerce su simple rol de observador en la vida, en la cual no pretende interactuar bajo ningún concepto. Su sobrepeso y baja autoestima lo hacen ser un adolescente solitario y huraño, sin amigos ni nada real que se le parezca. Tras llegar a su límite personal decide suicidarse, pero es entonces cuando Marcus MaCrae (una especie de problemático ídolo Punk del instituto) aparece en en escena para evitar semejante tragedia y entrar en su vida para deshacerla de arriba a abajo. Ambos adolescente forman una dupla intrigante y a la postre un grupo Rockero que no pasará inadvertido, pero claro está, el camino tendrá ciertos obstáculos...

La vida de Troy Billings cambiará hasta límites insospechados...

El recorrido del film muestra la evolución de unos personajes exquisitamente construidos, que nos aleccionan sobre como las apariencias y las primeras impresiones pueden ser engañosas, y que todos podemos aportar muchísimo en nuestros diferentes registros. 

Mathew Lillard supo como combinar a los diferentes oficios cinematográficos.

Un sensacional montaje y una buena elección de reparto, contribuyen a la loable dirección del señor Lillard, responsable de una película que homenajea a la música protesta y a un sin fin de dramas que suceden a nuestro alrededor de forma casi imperceptible. 

El hombre de las figuras de cera. Un excelente ejercicio de expresionismo alemán.

Creada por Paul Leni en 1924, El hombre de las figuras de cera es un film fuertemente inspirado en los oficios de Robert Wiene o el mismísimo Fritz Lang (estandartes del expresionismo alemán). Con una puesta en escena muy cercana al teatro, el director recurre al recurso de las muñecas rusas, o lo que es decir, construir una historia por medio de historias más pequeñas, encajándolas de tal modo que el resultado final no es menos que sublime. 

Un joven escritor comienza a trabajar en un pequeño pero excepcional museo de cera, que está ubicado en las entrañas de una feria. El imaginativo escriba queda prendado de la preciosa hija del dueño, por lo que empieza a usar pluma y creatividad para dar rienda suelta a diferentes historias, en las que ambos tendrán un notorio papel. Un relato en que un poderoso Califa rivaliza con un valiente panadero por el amor de una hermosa dama, la cruel y algo sobrenatural historia de Iván el terrible (con fuerte moraleja incluida), y un escalofriante cruce de caminos con el mismísimo Jack el destripador son las diferentes capas que construyen la trama principal. 

El reparto tuvo una participación activa en la edad dorada del expresionismo.

Paul Leni es uno de esos cineastas que ha influido con mucha fuerza en la cultura de masas y en diversas facciones artísticas. El mismísimo Bob Kane admitió ser fan incondicional del Director, y gracias a ello creó al Joker (archienemigo de Batman) inspirándose en el Film El hombre que ríe. 

Cinismo, homenajes, suspense e ironía dramática, se entrelazan en los cuentos.

El hombre de las figuras de cera, es un film con un excelente reparto, narrado de forma psicodélica, y muy transgresor para su época, demostrando (sin lugar a dudas) que su director es un arquitecto de sueños que se ha ganado la inmortalidad. 

Sharknado. Una deliciosa Frikada...

Pues sí, por fin he visto este diamante en bruto ejecutado por Asylum (productora que algunos denominan la nueva Troma...), dirigida por Anthony C. Ferrante (tipo versado en el universo TV Movie) e interpretada por todo un plantel de suprevivientes de Sensación de vivir, American Pie, e incluso algún retalito de Battlestar Galactica. Película de 2013, considerada de culto de forma instantánea, obligó a su productora a estrenarla en la gran pantalla tras la asombrosa aceptación por parte del público televisivo. Tal fue la expectación  generada por Sharknado, que en su estreno en cines llegaron a agotarse las entradas en varias salas, recaudando unas cifras impropias para un film de semejante calaña. 

La cosa es simple, un horrible temporal provoca que los grandes depredadores marinos se concentren en las playas colindantes a Beverly Hills causando el mayor ataque en masa jamás registrado. Acto seguido, por culpa de unas oportunistas tormentas antinaturales Los Angeles se inunda, y los Tiburones se desplazan entre los coches y bloques de pisos devorando todo a su paso (la escena en que se ven a los tiburones martillo maniobrando por el acerado de Beverly Hills no tiene precio...). Nuestro inclasificable grupo de héroes, encabezados por una leyenda del Surf, deberá sortear miles de peligros hasta ponerse a salvo, pero no contarán con la friolera de tres huracanes gigantescos que han absorbido miriadas de escualos y que causan tanto dolor como destrucción a su paso (los ataques por aire de los tiburones blancos son indescriptibles...). El heroico grupo decide plantar cara y afrontar su destino armados con bombas, armas de fuego, y motosierras, todo ello con un plan cuya belleza radica en su espeluznante sencillez. 

Frikismo épico,  mucho más de lo que se puede masticar...  

El guion de Thunder Levin combinado con la dirección de Ferrante, es una preciosa sucesión de despropósitos y adversidades sin sentido (hasta una Noria se puede transformar en un arma de destrucción masiva). La progresión dramática del Film va de la mano con un sin fin de homenajes a las películas referencia de escualos (los guiños al Tiburón de Spielberg son abusivos), saturados de violencia gratuita y momentos croma que provocan carcajadas hasta el dolor. Con diálogos de autoparodia, combates con armas fetiche (el arma icono de uno de los secundarios es el taburete de su bar preferido), situaciones predecibles y personajes asombrosamente planos, Sharknado se sitúa en el Olimpo de los grandes de la serie B. 

Al parecer nunca se puede dar a nadie por desaparecido.

Guerra Mundial Z. EL Gran mordisco de Plan B

Plan B es una productora (de la que Brad Pitt es copropietario) que en líneas generales se encarga de proyectos independientes, por lo que tal vez GM Z sea una tarea que les haya generado miles de contratiempos a causa de su magnitud. La dirección corre a cargo de un curtido Marc Foster (Quantum of Solace, Cometas en el Cielo, Tránsito...) y la adaptación a guion es cortesía de J. Michael Straczynski  y Matthew Michael Carnahan. 

Gerry Lane es un corresponsal e investigador de la ONU, que se ve sumergido en una misión suicida cuyo objetivo es conocer el origen y flaqueza de una plaga zombie que cogió por sorpresa al mundo entero y que tiene en jaque a la humanidad. En una carrera a contrarreloj el señor Lane visitará diferentes marcos geográficos infestados de violencia y canibalismo. 

Algunos cachondos encontrarán parecidos razonables con Katamari.

En líneas generales, GM Z es un film que cumple con su función de satisfacer al espectador, pero que en ocasiones deja patente que es un "mordisco" que se le vino un poco grande a una productora que se siente mucho más cómoda con el cine de autor.  No es necesario que nos recreemos comentando los vicios y virtudes del reparto, ya que son de sobra conocidas; pero, sí me gustaría mencionar lo más curioso de la película: su atmósfera. Normalmente, el subgénero Zombie destaca por su deliciosa negatividad (vital para la progresión dramática), pero en esta ocasión en el metraje resalta una premisa positiva y esperanzadora . 

Si bien la adaptación de la película desagradará a los más puristas y seguidores de Max Brooks, lo cierto es que el film cumple con su función de entretener al público general.

La fuerza reside en el número...

Offspring. Más gore y menos sofisticación.

En 2009 Andrew van den Houten adaptó sin ningún complejo a la gran pantalla el libro homónimo de Jack Ketchum. La sintonía entre director y escritor resulto ser tan positiva que el propio Ketchum se encargó de guionizar el Film. 

Una tribu de caníbales ha sembrado el caos y el dolor durante décadas por la costa noroeste de los Estados Unidos, asesinando de forma retorcida y secuestrando bebés para su sustento o para seguir perpetuando la existencia del clan. Liderados por una cazadora experta, deciden asentarse en una localidad próxima al mar y nutrirse de sus habitantes. Todo se tuerce cuando asaltan una vivienda que les supone cierta resistencia a causa del espíritu combativo de sus propietarios (parte de la historia es concebida bajo el punto de vista de un heroico niño y su problemático progenitor). La intervención de un agente de policía retirado, será fundamental en la lucha contra los caníbales degenerados. 

Crueldad y violencia son los invitados estrella de esta modesta producción.

Película sencilla, bien adaptada, pero con excesivas carencias en la narrativa. Su lenguaje audiovisual sufre altibajos, pero se recupera gracias a la crueldad y carencia total de censura, lo cual enriquece el concepto que defiende el guión. Lo mejor del film, sin duda alguna, es que fue el pilar que dio luz verde al rodaje de la polémica y galardonada The Woman (Lucky McKee, 2011), que se basa en el mismo universo creado por Jack Ketchum, pero abordado con mucho más acierto.

Mejor no caer en manos de estos infantes...

Hatchet III. No hay 2 sin 3...

Ya han pasado algunos añitos desde que Adam Green ofreciese al mundo una saga diferente, con un nuevo monstruo-franquicia que ejerciese la función de asesino en serie. La primera parte (2006) se transformó en un film de culto gracias a un guión cachondo repleto de referencias y un reparto de lujo que llegaba a eclipsar al propio Victor Crowley (la criatura maligna en cuestión). El éxito del primer Film dio carta blanca al director para llevar a cabo otras dos películas. La tercera y supuesta última entrega (de este mismísimo 2013) ha sido dirigida por BJ McDonnell, pero Adam Green ha seguido vinculado al 100% ya que se encarga del guion. 

Hatchet III comienza inmediatamente después de los hechos acontecidos en la segunda parte (el concepto se repite), cuando la única superviviente escapa del pantano maldito y aparece en la comisaría local con un rifle y un cuero cabelludo ajeno entre sus manos. Casi todos los miembros de la comisaría y del departamento forense unen sus fuerzas a los SWAT, acudiendo al pantano para el levantamiento de cadáveres y esclarecimiento de tan horrible matanza. Para sorpresa de todos, Victor Crowley vuelve a la vida ante sus atónitos ojos y comienza a masacrarlos. Mientras tanto, en otro punto de la localidad, una periodista intenta descubrir a contrarreloj la clave de como destruir a la paranormal criatura que reside en los pantanos. 

Entendamos el Slasher como una forma de arte...

Aunque el guion haya perdido parte de la fuerza que poseía el Film original, Hachett III funciona a la perfección gracias a su creatividad, mala leche, y sentido del humor. Las referencias a clásicos de la acción y el terror son constantes, llegando a copiar parte de la mitología de Viernes 13, Pesadilla en Elm Street, e incluso copiando impunemente (pero de forma descafeinada) algunas escenas míticas de Predator. Otra de las bazas es su lujoso reparto, donde podemos encontrarnos con Danielle Harris (una de las musas de Rob Zombie), Sid Haig (importantísimo icono del terror y la serie B), y a un carismático Derek Mears (lo recordareis caracterizado en las nuevas Viernes 13, y en Las colinas tienen ojos). En definitiva, una cita imprescindible para los amantes del gore y el humor retorcido.

Referencias por aquí, referencias por allá...